2017 NEXT ART TAINAN X MUMU GALLERY

17 Mar. - 23 Apr. 2017

DAILY CONVERSION

MUMU Gallery showcases artworks of four artists from the 2017 Next Art Tainan. Their artworks originated from their rich observation of daily life. and even demonstrate their re-thinking of stylized-creation.

 

Ying-Chen Lin’s(林盈潔) “Maybe There is Nothing Happened Opposite the Playground, but I was in a good mood.(也許操場的對面什麼事也沒有發生,但我心情愉快) is a record of her painting activities . Standing outside the window , looking at the reflection of scenery on the window glasses, she reproduces what she sees on the windows . the video camera is placed indoor and records the process of how her strokes fill the side of the lens with colors and landscapes. From this side of the audience’s viewpoint, we see how she freezes a frame of a certain image at a certain moment on the aluminum window panel. Or we can say, she sees the landscape outside and reproduces it indoor. We see how she converge daily images into some kind of results in drawing. The back-and-forth brushes and strokes represent the journey where the artist repeatedly gazes, looks back and reconfirms the things the exist. The landscape is blocked by untidy bushes and shrubs ,a micro-analogy of this work – a lump of obscure objects occupied the most conspicuous spot. Painting, as a process of observation and disclosure , dose not really reveal anything secretive. In the contrast, Lin’s portrait outside the window is the copy of the copy of the landscape behind her . From the perspective of the audience, her creation, stroke after stroke, conceals the visible, actual existence that we just confirmed.

 

The history of painting has never departed from the issue of representation—how and what to represent, especially when it comes to scenery painting that reflect the relationship between painters and the nature , or everything about human and the environment. Lin’s deals with the banal daily life landscape , the ordinary skyline of streets and valleys, buildings and cars in cities and towns , as well as the trees and bushes on the foreground. She shoes and represents the reflection on the transparent window. The paint she uses and her painting highlight this process of description – turning illusion images into tangible objects . There exists an interface that exposing any aspect of the world . but to propose how painting can the front and rear of painting ourselves and the world , some kind of interface that feels good , and that exposes and conceals at the same time.

 

If we can concretely identify the border between the world of gods and human, it will be the interior of temples. In Li-Chung Lee’s (李立中)“Space Out”(神遊) series, he photographs the caissons and ceilings of Taiwanese temples. Some are umbrella-like sunken panels ornamented with layers of decorations, while some are painted with fairyland landscape. Juxtaposing with these traditional Buddhist architecture and aesthetics, Lee also includes in his photoshoots modern lighting fixtures, which almost serve as an ultra-spatial existence. These lights are at the very tip of the high ceilings, so they require a sufficient degree of power to the light up the entire space. Yet these lighting fixtures do not seem to fit in these traditional architectures or religious paintings, even thought their brightness does echo the spiritual level of this scene at this very spot. For people who frequently visit temples , the existence of these lights is often taken for granted and thus neglected. The way they are perceived are beyond the religious context, although that are embedded in highly symbolic spots. Some light installations are like UFOs circling in the sky , while some , because of their exposed light tubes , diffuse a sense of the high-tech or mechanical vibe . These bright illuminants , on one hand are exaggerated guidance that gives forth absolute brightness, and on the other hand resembles objects that belong to another time or space, misplaced in a scene that they do not belong to . This series of Lee’s photography works have a connotation to field studies , and has magnified the sense of bizarreness that is otherwise consented tacitly among the common people. Maybe when we look up and see these light that offer some guarantee of brightness, we have also sought the comfort of religion.

 

In his painting, Tsung-Yu Tsai (蔡宗祐) uses expressive stroke to present the various perspectives in life. His expression id highly intuitive and sensitive. He does not deliberately dwell on the details, so his works are very straightforward and subjective. Through contrasting colors, the images are full of

「新」的旅途 --台南當代藝術30年

文/林煌迪 (2017台南新藝獎策展人 / 藝術家)


當然啦,唯有步行才能有最切身的體驗。這麼多年來,速度變成是必須的。噴射機從一地到另一地,可是都使人沒有了旅途。兩地之間空無一物,僅是一個機場到另一個機場。早些時候我和布魯特在他那一輛1940年份雪佛蘭車上,也這般的旅行了一趟,我們花了三個星期橫穿中西部,我這麼做是覺得美學上的健康需要。我以新的、觀察的和抗拒的心情,來面對自己和路上所遇見的人事物,並重新估量我的地域性偏見。首度我看見了所有存在著變化和具共同性的地方。 
--羅伯‧勞生柏(Robert Rauschenberg)

美國當代藝術巨擘羅伯‧勞生柏曾經有過這麼一段言說,在今天看來或許已經略顯古典,然而把這段話相對應於今天的台南或者台灣,卻又好像正是時候。勞生柏當年在美國有感而發的時候,台灣大概還在戒嚴,當我接收到並開始思考如同這樣的訊息,已經是在1990年代初期,解嚴後沒多久。

關於《「新」的旅途》這個展覽,與其說是一個策展人的企劃,更準確地應該說,這是一個長期生長於此地的藝術創作者的觀察與參與。1990年,我離開台南到台北學習藝術,1995年夏天,我再次回到台南,然後時間很快地就過了二十個年頭,自從我有意識地觀察屬於台南的藝術,大約也有三十年了;有時候你必須離開家鄉,你才會發現家鄉的真正樣貌,它不只是一個地方,而是所有旅途的總結。就在今年,種種的契機之下,台南市政府文化局邀請我來參與這個展覽的策畫,作為一個幾乎一輩子都住在台南的當代藝術創作者而言,這是個有趣的機會。

在2013年,台南市政府文化局以「尋找下一個台灣藝術新星」為口號,設立了「台南新藝獎」,以種種對於「新」的追求,作為這個獎項的願景。這個獎項同時希望在活動中推動藝企媒合,並且將錯落於台南城市中的有趣空間,在藝術活動中引介給市民觀眾。經過了四年,這個獎項的視野從個體的尋找、微小空間的蔓延、場所區域的拓展再回度到屬於藝術家自身的私密記憶與探索,藉由這個平台,有許多「新世代」的創作者被發掘,同時我們卻也發現這個前進的過程就如同一段旅程,一段關於「新」藝術的旅程,而這段旅程的起點在這個古老的城市中,並不是在四年之前;它再次喚醒了我們關於「新」的藝術在於這個城市中的記憶。

1986年,解嚴前一年,在台南市立文化中心的支持之下,有一群年輕人以一種無法被一般大眾所能理解的抽象形式,開始了一連串的作品發表,並持續了將近十年,他們自稱為「南臺灣新風格」。在三十年前的台南,當時以古典具象繪畫形式為主流的環境中,「南臺灣新風格」這群藝術家,對於當時還是高中生的我,確實起了某種啟蒙的果效。約略在二十年前,這些人開始重組並加入了新血,開啟了屬於台南的「另類藝術空間時代」,「邊陲文化」、「新生態藝術環境」、「原型藝術」、「文賢油漆工程行」、「台灣新藝」、「五七藝術工作室」…,一直到近期成立的「海馬迴光畫館」、「齁空間」、「絕對空間」…,落腳於台南,跨越各個不同社群的當代藝術家們,共同交織出屬於台南的當代藝術傳統。當然1996年設立的國立台南藝術學院,也造成了推波助瀾的效果,使台南當代藝術的發展在台灣成了台北以外的另外一個焦點。當代藝術在台南延續了三十年的旅途,不斷加入的「新」的養分,培育了台南的當代藝術土壤,台南新藝獎則為這個「新」的旅途,開啟了一個新的可能路徑。 

特別是在大眾所認識的文化古都台南,古蹟、小吃、古典音樂,充滿歷史的痕跡、古典的風味,也因此也就很容易讓大家忽略了,其實台南早就發展了一個屬於在地的當代藝術傳統,跨越了數個世代的當代藝術家,因為共同生活於這個城市中,不願停滯、不滿於現況也不願意妥協,一起創造了這個「你必須步行才能切身體驗」的旅程。為了展示這個旅程,2017年台南新藝獎特別選擇了適合步行的舊城區中的10個專業畫廊,將60位出生於1948年到1986年的台南當代藝術家,以10個聯展的形式置入這10個畫廊,同時也將10位2017年的台南新藝獎得主,分別在這10個空間中介紹給大家,並且為了將當代藝術引介給更多的觀眾,特別邀請了10位知名的藝評人為這10個聯展引介導讀。

文化並不只是出土文物,文化的可貴之處在於它是活生生的成長在我們每一天的生活中,就如同每個不同世代的當代藝術創作者,在這一條共同的「新」的旅途中,不斷找到新的路徑,往前邁進。做為2017台南新藝獎的策展人,我的期待是,希望透過這個新的旅程的全面呈現,與對未來可能性的提示,能夠提供包括藝術家、藝評家、主辦者、觀眾、畫廊…等所有的參與者,以新的、觀察的和也許抗拒的心情,來面對自己和路上所遇見的人事物,並重新估量自我的地域性偏見。

 

轉檔日常

展出藝術家 / 蔡宗祐、李姿玲、李立中、林盈潔 (新藝獎得主)

轉檔日常

--2017臺南新藝獎於木木藝術的展出

文∣張晴文 (藝評人 / 國立清華大學藝術與設計學系專任助理教授)

  

2017臺南新藝獎在木木藝術的展出,包括四位藝術家的作品。他們的創作皆來自對於生活的豐富體察,甚至展現了個人對於類型化創作的再思考。

林盈潔〈也許操場的對面什麼事也沒有發生,但我心情愉快〉是一繪畫行動的紀錄。她站在窗外,就著窗面玻璃上的風景倒影,將眼中所見的景致再現於玻璃窗上;攝影機在室內,拍下她筆端朝著鏡頭(觀眾)這一側不斷填滿色彩與景物的過程。對觀眾而言,我們看見她在鋁門窗的另一面把某一時刻的景象定格,或者可以說,她把可見的外面的風景再畫在外面。我們看見日常影像如何被轉檔為某種繪畫性的結果,不斷來回塗刷的筆觸,是藝術家透過不斷凝視與回視、再三確認某些既存事物的過程,而這片風景前方遮擋的雜亂樹叢,就像這件作品的一個微型比喻——一團不明所以的遮蔽物佔據了最顯眼的位置。繪畫做為觀看與揭露的過程,在此並未真正揭開什麼隱密的事物;相反地,林盈潔在窗外的描繪,是她背後景色副本的副本,從觀眾這端看過去,她的創作正一筆筆地覆蓋了我們才剛確認過的可見的實存。

 

繪畫的歷史始終未曾脫離再現的議題——如何再現、再現了什麼,尤其關於風景的描繪,反映的即是畫者與自然的關係,也就是人與環境之間的種種。林盈潔面對日常平庸不過的景致,這般市鎮巷弄裡尋常的天際線、樓房與車,以及前景的樹叢,在透明的玻璃那一面讓倒影現形。她所操作的顏料和繪出的形象突顯了描述的過程——將虛幻的視像有形化,物與影,室內與室外,畫面的正面與背面,都存在某個一分為二的介面。這件作品做為繪畫行動,其重點不在揭露什麼世界的面貌,而是提出繪畫如何可能做為卡在我們和世界之間,一種感覺良好的、既是表露又是遮掩的介面。

 

神人之間交會的邊境如果可以被具體地指認,那應該就是廟宇內部最接近天的位置。李立中的「神遊」系列拍攝臺灣廟宇的藻井或天花,在如傘蓋層層裝飾華麗莊嚴的棚頂,或者裝飾了壁畫的仙界景致之下,因應人間生活需求而來的照明設備在整個傳統中國建築形制,以及保有佛教美術傳統的建築繪飾裡,成為一種超時空的存在。這些燈光位於挑高室內的頂端,因此在實用上需要足夠的強度才能夠照亮整個空間,然而它們對比於傳統建築或者宗教繪畫,卻顯得有些格格不入,即便它們光芒萬丈地呼應了此景此地的某種精神高度。對於行走在廟宇內部的人而言,這些燈光其實某種程度是被視為理所當然而忽略的存在,它們被理解的方式逸出了宗教相關的脈絡,儘管它們就鑲嵌在極具象徵意義的位置上。有些燈具像是數個不明飛行物盤踞空中,有些則因為燈管外露而強化了機械式的科技感。這些亮極了的發光體,一方面就像是絕對光明的誇張指引,另一方面又像是時空錯置的物件,突現在不屬於它的場景之中。李立中這一帶有田野調查意味的攝影系列,放大了常民生活裡被默許的詭異感,而這些抬頭仰望所能得到的,某種光明的保證,或許也正是信仰之於人心最終的慰藉。

 

蔡宗祐的繪畫,以表現性的筆觸呈現來自生活的種種觀點。他的作品所描繪的題材不一,但大多為碎片式的日常紀錄,周遭事物或者有感的事件在快速的筆觸之下,呈現出直覺式的、極富感受性的表達。不刻意經營細節的處理方式,也使得他的作品帶有直率而強調主觀的即時反映性格,透過對比性強烈的色彩,構成了畫面的張力。他的作品相對於其他同為學院出身的繪畫者而言,有幾分反建制的意味,對於某些繪畫規範的漠視,讓蔡宗佑的繪畫呈現一種反菁英的內在特質。

 

李姿玲的作品,則以轉化現成物的手法,將日常事物重新解構後再度織造出新的現實。她的創作在形式上經常表現出類似科學的理性或冷冽質地,但內在卻延伸至私人且極為多感的生活歷程。〈一種年輕愛情的肖像0〉以大眾日常裡居家清潔常用的菜瓜布為媒材,將之改作為蕾絲一般的薄片,在看似細緻而柔軟通透的表象上,寓以女性在情愛關係之中感受性的意涵。菜瓜布粗糙的觸感雖然便於清洗髒汙,卻也在過程中一點一點地磨損著皮膚,這樣的細微感受成了這系列使用菜瓜布為材料的作品重要的內在指涉。此外,〈整個世界的溫柔〉、〈我們在無路可去之後只能抬頭仰望,才見到穿越千萬年而來的光芒〉等系列作品,運用情書絞碎再製成的紙張為主要媒材,從個人的情感經驗出發,以寫滿戀人話語的書信鋪陳關於愛情的命題,閃耀的人造鑽石和畫面中座標式的圓和直線,構成一幅幅錨定心緒相對位置的心象地圖,在指引的想像和徒勞的依賴之間,隱喻了戀人內在關係的感情角力。

 

今年臺南新藝獎在木木藝術所呈現的四位藝術家作品,透過不同的手法展現其對於人間現實種種的反饋。無論是人與環境之間關係的捕捉,或者對於人際之間情感的喟嘆,對於現實有感的各種直接體現,甚至是宗教場域裡常民品味的民族誌式觀點,都展現了藝術家將日常事物轉檔為個人創作的各異觀察,同時亦成為指向當下生活的幾道重要線索,供我們展讀。

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MUMU GALLERY  木木藝術

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